Filme und Serien

Genre: Antikriegsfilm
Länge: 116 Minuten
Regie: Stanley Kubrick
Produktionsland: England & USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 1987
FSK: 16

Darsteller:
Matthew Modine
Ronald Lee Ermey
Vincent D'Onofrio
Arliss Howard
Adam Baldwin
Kevyn Major Howard
John Terry

Handlung:
Parris Island im Jahr 1967: Gunnery Sergeant Hartman bekommt für seinen Zug neue Rekruten, die er in einer achtwöchigen Ausbildung zu neuen Marines formen soll. Unter diesen befinden sich unter anderem der Private James T. Davis, der Joker genannt wird, und Leonard Lawrence, den Hartman vom ersten Moment an im Visier hat und schlicht "Private Paula" nennt. Er beleidigt ihn, schikaniert ihn vor versammelter Truppe und bestraft alle Rekruten für seine Vergehen. Seine Kollegen rächen sich mit einer nächtlichen Bestrafungsaktion, die Leonard psychisch verändert. Als die Ausbildung beendet scheint, kommt es zu einem schweren Zwischenfall, der dem Krieg in Vietnam vorauseilt...

Bewertung:
Ich habe über all die Jahre einige Kriegsfilme gesehen, mit denen ich nicht immer zufrieden gewesen bin. Viele Streifen dieser Art verstehen es nämlich, den eigentlichen Kern der Handlung durch dramatische Spannungsbögen, ausdruckslose Nebengeschichten, ausgewählte Höhepunkte, melancholische Musik, unglaubwürdige Charaktere, übersteigertem Patriotismus und Spezialeffekte zu überspielen. Der eigentliche Krieg gerät dadurch manchmal stark in den Hintergrund und wird oft nur als Schauplatz missbraucht. In all den Jahren bin ich immer wieder mal über den Namen "Full Metal Jacket" gestolpert, allerdings habe ich mich nie dazu durchringen können, mir diesen Streifen anzusehen. Mittlerweile habe ich es nachgeholt - und ich kann voll und ganz verstehen, warum er von vielen als einer der besten Kriegsfilme aller Zeiten angesehen wird. Die meisten und größten Merkmale, die ein Streifen dieser Art meiner Meinung nach erfüllen muss, wurden allesamt gezeigt.

Dieser Film basiert auf zwei verschiedenen Veröffentlichungen von Kriegsberichterstattern und wurde in zwei Teile gegliedert. Der erste Teil geht eine knappe Dreiviertelstunde und zeigt die Ausbildung der kommenden Marines auf Parris Island. Obwohl in dieser Zeit noch keine aktive Kriegshandlung gezeigt wird, ist er in meinen Augen der wesentlich intensivere Teil dieses Films. Der Drill Instructor gibt seinen Rekruten abwertende Spitznamen, lässt sie mit ihren Gewehren schlafen, schikaniert mit Vorliebe vorgemerkte Opfer und wirft mit Sprüchen um sich, über die der Zuschauer im ersten Moment lachen muss, weil sie voller schwarzhumoriger Kraftausdrücke sind. Ronald Lee Ermey, der eigentlich nur als Berater am Set agieren sollte, ist hier in einer seiner besten Rollen zu sehen. Ursprünglich war Tim Colceri für die Rolle von Hartman vorgesehen, allerdings bewies Ermey in Testaufnahmen, dass er für diesen Part wie geschaffen ist. Kein Wunder, denn vor seiner aktiven Zeit als Schauspieler war er tatsächlich Drill Instructor bei den Marines.
Vor allem die Darstellung des übergewichtigen und dümmlichen Leonard Lawrence, genannt Private Paula, ist in Bezug auf den Drill Instructor eine wichtige Komponente. Obwohl Vincent D'Onofrio - der für diese Rolle übrigens 30 Kilogramm zunahm, was bis heute als Weltrekord gilt - nicht besonders viele Dialoge spricht und seine Rolle in erster Linie durch Mimik und Gestik darstellen muss, schafft er es, den psychischen Druck der Ausbildung glaubwürdig darzustellen und auf den Zuschauer zu übertragen. Obwohl zu diesem Zeitpunkt noch keine aktive Kriegshandlung geschildert wurde, spiegelt sich in dieser Rolle die ganze Sinnlosigkeit eines Krieges wider. Die Menschen verlieren bereits in den ersten Filmminuten sämtliche Grundrechte und werden zu Killern geformt. Sogar der weihnachtliche Gottesdienst wird hierbei als Propaganda benutzt.

Der zweite Teil schildert das Kriegsgeschehen in Vietnam. Durch die ausgewählten Musikstücke und die sommerlichen Umgebungen kommen hier stellenweise fast schon Urlaubsgefühle auf. Hier hat Stanley Kubrick es gut verstanden, den Zuschauern zu zeigen, dass der eigentliche Schrecken des Krieges schon bei der Ausbildung beginnt und nicht erst mit der eigentlichen Schlacht eintritt.
Was mir hierbei besonders gut gefallen hat ist, dass man auf wichtige historische Eckdaten und Kriegsschauplätze fast vollständig verzichtet hat. Es gibt keinen richtigen Höhepunkt, auf den der Zuschauer warten könnte. Stattdessen bekommt er die vollkommene Sinnlosigkeit des Krieges vor Augen geführt. Soldaten messen sich daran, wie viele Feinde sie schon umgebracht haben, Frauen werden als Freizeitbeschäftigung angesehen, die in einer Art Massenabfertigung erledigt wird und Emotionen sind völlig fehl am Platze. Die Soldaten wissen stellenweise nicht mehr, wieso und für wen sie eigentlich kämpfen. Sie wurden darauf konditioniert, den Feind zu besiegen, wissen stellenweise aber nicht mehr, wer dieser Feind eigentlich ist und wieso sie ihn erschießen sollen. Besonders gut kommt diese Ambivalenz durch die Figur von Private Joker zum Tragen: Auf seiner Uniform prangt ein Friedensabzeichen, auf seinem Helm dagegen steht "Born to kill" geschrieben.

Full Metal Jacket ist kein herkömmlicher Kriegsfilm. Der Fokus wird hier nicht auf das sonst so oft dargestellte patriotische Heldentum oder auf grandiose Spezialeffekte gelegt, sondern eher auf die Zeichnung und Charakterisierung der einzelnen Figuren. Die Charaktere bekommen hier trotz der teilweise sehr banal geschriebenen und dargestellten Dialoge bzw. Szenen mehr Tiefe verliehen als in den dreistündigen Heldenepos, die sonst auf der Leinwand zu sehen sind. Stanley Kubrick hat ein Meisterwerk abgeliefert, das vielleicht nicht direkt seinesgleichen sucht, aber durchaus als künstlerisch zu betrachten ist.

Trailer:

Genre: Horror
Länge: 119 Minuten
Regie: Steven Spielberg
Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 1975
FSK: 16

Darsteller:
Roy Scheider
Robert Shaw
Richard Dreyfuss
Lorraine Gary
Murray Hamilton
Carl Gottlieb

Handlung:
Es ist Sommer, die Sommerstadt Amity steht kurz vor ihrer Hauptsaison und erwartet viele Badegäste. Doch ausgerechnet jetzt schreibt der beschauliche Ort negative Schlagzeilen, denn seine Gewässer werden von einem weißen Hai heimgesucht, der gezielt Menschen attackiert. Polizeichef Martin Brody möchte die Strände sperren lassen, stößt beim Bürgermeister allerdings auf taube Ohren. Erst als es am Strand zu einer Katastrophe kommt und auch Brodys älterer Sohn fast ein Opfer des Hais wird, lenkt er ein und bittet den Fischer Quint, den Hai zu töten...

Bewertung:
Hierbei handelt es sich sicherlich um einen der vielen Filme, die das Genre des Tierhorrors nachhaltig geprägt haben. Dieses mit drei Oscars ausgezeichnete Werk ist für mich bis heute unerreicht. Steven Spielbergs Mittel zeigten schon damals Wirkung. Er spielte geschickt mit der Erwartungshaltung und der Angst der Zuschauer, was dermaßen gut funktionierte, dass sie während des gesamten Films über kreischten, von ihren Sitzen aufsprangen und Popcorn durch den Kinosaal warfen. Ein Beispiel dafür ist, dass der Hai nur in der zweiten Stunde des Films zu sehen ist. In der ersten Stunde des Films ist er zwar auch anwesend, allerdings nicht richtig zu sehen. Ein vom Hai abgerissener Steg treibt in einer Szene auf einen Mann zu, der ins Wasser gefallen ist. Durch die Bewegungen des Stegs wird eine Anwesenheit des Hais erzeugt. Zwar ist dieser Umstand der Tatsache zu verdanken, dass man vergessen hatte, die Wassertauglichkeit des Hai-Modells zu überprüfen, aber die Spannung wirkt dadurch noch viel intensiver und der Film damit wesentlich unheimlicher.

Die Schauspieler spielen allesamt glaubhaft, sowohl die Hauptdarsteller als auch die Nebendarsteller. Egal, ob Roy Scheider als Martin Brody, Richard Dreyfuss als Matt Hooper oder Robert Shaw als Kapitän Quint - bei jedem wurde die Wahl richtig getroffen. Auch die deutsche Synchronisation untermalt die ernste Gesamtsituation perfekt. Deswegen gebe ich an dieser Stelle den Rat, dass man sich diesen Film auf jeden Fall in der deutschen Synchronisation von 1975 anschauen sollte. Die deutsche Synchronisation von 2004 kommt nicht einmal ansatzweise an die erste Fassung heran und lässt einige Szenen und Figuren sogar unfreiwillig komisch wirken.

Untermalt mit der Oscar-prämierten Musik von John Williams wurde "Der weiße Hai" zu dem, was er ist: Zum Tierhorror-Klassiker schlechthin. Der einzige Kritikpunkt ist, dass den Zuschauern ein falsches Bild vom weißen Hai geliefert wird. Haie sind keine Monster, sondern Tiere, die instinktiv handeln und somit nichts für ihr Verhalten können. Die Unfälle, die passieren, liegen oft an der Tatsache, dass die Haie die Menschen für Robben halten. Bewusst würde ein Hai niemals einen Menschen angreifen oder gar töten. Allerdings sollte man hierbei nicht vergessen, dass es sich hier lediglich um einen Horrorfilm handelt. Und zwar um einen absoluten Klassiker seines Genres. Es ist schon bemerkenswert, dass ein Film, der bereits mehrere Jahrzehnte auf dem Buckel hat, alle neuzeitigen Streifen dieser Art sowohl visuell als auch in Sachen Spannung weit übertrifft.

Trailer:

FSK: 12
Genre: Komödie
Länge: 112 Minuten
Erscheinungsjahr: 2014
Originalsprache: Englisch
Produktionsland: Vereinigte Staaten

Darsteller:
James Franco als Dave Skylark
Seth Rogen als Aaron Rapaport
Lizzy Caplan als Agent Lacey
Randall Park als Kim Jong-un
Diana Bang als Sook
Timothy Simons als Malcolm
Reese Alexander als Agent Botwin
Eminem als Eminem (Kurzauftritt)

Handlung:
Dave Skylark ist ein TV-Moderator einer amerikanischen Talkshow "Skylark Tonight" , der verschiedene Stars interviewt. Durch den Auftritt von Eminem konnte die Show eine Menge an Beliebtheit gewinnen, weil er sich während des Interviews outet und deshalb homophobe Texte schreiben würde. Ein Verwandter von Aaron Rapport, der Produzent von "Skylark Tonight", meinte jedoch, dass diese Show ein sinnloser Müll wäre und sie sich was seriöses ausdenken sollten. Parallel zu dieser Talkshow will Nordkoreas Staatsoberhaupt Kim Jong-un die USA in die Luft jagen; ist jedoch ein grosser Fan von Dave Skylark's Show. Zu gegebenem Anlass beantragen Dave und Aaron ein Interview mit Kim Jong-un und bekommen sogar eine Zusage, damit sie über die momentane Situation in Nordkorea (Hungersnot, Unterdrückung etc.) diskutieren können.

Nach dieser Zusage möchte die CIA, dass die TV-Jungs das Interview als die einzige Möglichkeit ansehen, den Staatsoberhaupt umzubringen und somit die USA und das Volk in Nordkorea zu retten. Sofort nehmen sie das Angebot an und bereiten sich darauf vor. Das Ziel des Interviews ist nun, dass Dave Skylark am Anfang bei der Begrüssung ein Klebstreifen, der mit Gift infiziert ist, an Kim Jong-un auf der Handfläche klebt, damit sich das Gift so schnell wie möglich einätzt.

Bevor das Interview allerdings stattfindet, werden sie dort für paar Tage eingeladen und übernachten im Palast. Kim Jong-un versucht nun vieles zu manipulieren, damit der Moderator ein anderes Bild bekommt.

Bewertung:
Man kann diesen Film aus vielen Perspektiven anschauen. Entweder man findet ihn aufgrund der verschiedenen Gags sehr lustig oder sehr beleidigend, weil ein Land bzw. der Staatsoberhaupt als Idiot dargestellt wird. Ich persönlich habe diese Situation nicht im Vordergrund genommen, sondern mich mehrheitlich auf die Handlung im Film selber konzentriert, weswegen ich ihn auch sehr unterhaltsam fand.
Der Film an sich ist für mich ganz gut gestaltet, hätte mir aber mehr Inhalt gewünscht, weil er doch fast nur aus modernen Gags besteht und daher die Story ziemlich oberflächlich gehalten wurde.
Nichtsdestotrotz kann ich "The Interview" an allen empfehlen, die einen lustigen Abend verbringen wollen, auch wenn die Handlung bei einer solchen "CIA"-Komödie immer dieselbe ist.

Hockerangriff auf Sony Pictures und Anschlagdrohung
Im November 2014 wurde Sony von einer unbekannten Gruppe gehackt, die dabei sämtliche unveröffentlichte Filmdaten, darunter auch "The Interviews", gestohlen haben. Die Hackergruppe verlangte zuerst einen Geldbetrag, bis eine Erpressung kam, dass interne Daten der Firma veröffentlicht werden, wenn Sony den Film nicht von der Öffentlichkeit zurückzieht.

Später drohte den Orten, wo der Film gezeigt wird, ein Terroranschlag mit einer Botschaft "Erinnert euch an 11. September 2001". Aus Sicherheitsgründen wurde dann die Premiere in New York abgesagt. Die Schauspieler sagten gleichzeitig auch jegliche Auftritte ab.

Laut Aussage von John McAfee, Gründer des Sicherheitsunternehmens McAfee, käme der Hackangriff nicht von Nordkorea, weil er die Hacker kenne, allerdings nicht die Namen erwähnen möchte.

Genre: Zeichentrick
Länge: 70 Minuten
Regie: Don Bluth
Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 1988
FSK: 6

Deutsche Sprecher:
Kim Hapser
Andrea Wick
Tobias Thomas
Wolfgang Ziffer
Almut Eggert
Helmut Krauss
Arnold Marquis
Ernst Wilhelm Borchert

Handlung:
Als den pflanzenfressenden Dinosauriern die Nahrung ausgeht, machen sich viele Herden auf dem Weg zum Großen Tal, das immer noch fruchtbar und sicher sein soll. Unter ihnen befindet sich auch die Familie des kleinen Langhalses Littlefoot. Doch als die Kontinente aufeinander prallen, spaltet ein großes Erdbeben das Land, was zur Folge hat, dass Littlefoot von seiner Familie getrennt wird. Schweren Herzens macht er sich alleine auf die Reise in das Große Tal. Bald trifft Littlefoot allerdings auf andere Dinosaurierkinder, die sein Schicksal teilen und sich ihm anschließen. Und so entsteht die wohl seltsamste Herde aller Zeiten, die genau weiß, dass sie entweder verhungern oder Scharfzahn zum Opfer fallen wird, wenn sie das Große Tal nicht so schnell wie möglich erreichen sollte...

Bewertung:
Früher habe ich diese Filmreihe regelmäßig gesehen. Mittlerweile sollte man denken, ich sei zu alt dafür, aber von solchen Meisterwerken kann man sich nur schwer trennen. Dieses Gefühl werden wohl einige kennen.
Der Film ist nicht nur unterhaltend, er vermittelt auch pädagogische Werte, wenn er auch gleichzeitig sehr düster und traurig ist. Und da Kinder noch nicht sehr gut mit Trauer umgehen können, ist die FSK bei diesem Film absolut ernst zu nehmen. Der Film zeigt einige Szenen, die für Kinder sehr erschreckend sein können, obwohl die Produzenten ihn schon um knapp 20 Szenen kürzen mussten, weil diese zu bedenklich waren.

Die DVD lässt allerdings ein wenig zu wünschen übrig. Sie wirkt dadurch, dass es keine Extras gibt, fast schon wie eine VHS. Aber das rückt bei diesem Meisterwerk nicht allzu sehr in den Vordergrund. Hier stimmt einfach alles: Die Charaktere sind liebevoll gezeichnet, die Story ist einfühlsam geschrieben und der Soundtrack von James Horner ist einfach umwerfend, auch wenn Horners frühere Werke seit seinem Soundtrack zu "Titanic" in den Hintergrund geschoben werden. Hinzu kommt außerdem noch der einfach nur überragende Song "If We Hold on Together", der von Diana Ross gesungen und im Abspann gezeigt wird.

Während des Films könnten unter Umständen ein paar Tränen fließen, denn er ist nicht als Kinderfilm zu verstehen, auch wenn die zahlreichen Fortsetzungen, die leider nur noch teilweise zu unterhalten wissen, dort anzusiedeln sind. Pädagisch wertvoll und für Kinder unbedenklich, und damit einfach nur empfehlenswert.

Trailer:

Genre: Tragikomödie
Länge: 96 Minuten
Regie: Ralf Huettner
Produktionsland: Deutschland
Originalsprache: Deutsch
Erscheinungsjahr: 2010
FSK: 6

Darsteller:
Florian David Fitz
Karoline Herfurth
Johannes Allmayer
Heino Ferch
Katharina Müller-Elmau

Handlung:
Nach dem Tod seiner Mutter wird der am Tourette-Syndrom erkrankte Vincent von seinem Vater in eine Fachklinik eingeliefert, wo er auf seinen zwangsneurotischen Zimmergenossen Alexander und die magersüchtige Marie trifft. Um einen letzten Wunsch seiner Mutter zu erfüllen, beschließt Vincent, zusammen mit Marie das Heim zu verlassen und nach Italien ans Meer zu fahren, wobei Alexander zu einem unfreiwilligen Begleiter wird. Sie nehmen das Auto der Heimleiterin, die zusammen mit Vincents Vater die Verfolgung aufnimmt. Beide Parteien erkennen bald, dass sie trotz ihrer Unterschiede nach und nach immer besser zusammen passen. Doch ein schwerwiegendes Ereignis stellt alles wieder in Frage...

Bewertung:
Bevor ich diesen Film zum ersten Mal gesehen hatte, war ich durchaus skeptisch in Bezug auf die Umsetzung des dargestellten Themas. Deutsche Filme tendieren nämlich gerne dazu, durch und durch politisch korrekt zu sein und damit teilweise vollkommen verkehrte bzw. nichtssagende Werte zu vermitteln. Aus diesem Grund hatte ich berechtigte Sorgen bezüglich der Mitteilung, die der Film seinen Zuschauern mit auf den Weg geben möchte. Ich rechnete mit einem Streifen voller Klischees, der teilweise in albernen Klamauk abdriftet und behinderte Menschen als unantastbar abstempelt, womit die eigentlichen Intentionen der Produzenten ins Gegenteil gekehrt würden.

Aber im Endeffekt hat man mit "Vincent will Meer" bewiesen, dass man auch aus einem schwierigen Thema eine glaubhafte Komödie formen kann, die zu keiner Sekunde brachial oder unpassend wirkt. Sicher, der Zuschauer wird hier mit einigen Stereotypen und Klischees konfrontiert, aber da man es schafft, sie geschickt in die Handlung zu packen, fällt das nicht so sehr ins Gewicht. Ganz im Gegenteil: Dadurch, dass man sowohl den kranken als auch den gesunden Charakteren eine Störung oder Belastung gegeben hat, mit der sie sich im Laufe des Films auseinandersetzen müssen, wirkt der Film trotz seiner Klischees erfrischend authentisch. Vincent, Marie und Alexander haben mit ihren unterschiedlichen Behinderungen und Charaktereigenschaften zu kämpfen, während Vincents Vater und die Heimleiterin ihre Vergangenheit und Selbstzweifel aufarbeiten müssen. Nicht alle Charaktere werden mit dieser Belastung fertig, aber das ist nicht weiter schlimm, da durch und durch positive Ergebnisse der sonst so nachvollziehbaren Handlung einen Strich durch die Rechnung gemacht hätten. Die Behinderungen werden weder übertrieben dargestellt noch verharmlost, wodurch man es geschafft hat, genau die Botschaft zu vermitteln, die andere Filme trotz zahlreicher Versuche gnadenlos in den Sand gesetzt haben - nämlich die, dass behinderte Menschen im Endeffekt genauso wertvoll sind wie alle anderen auch.

Dass dieser Film so gut gelingt, liegt vor allem an seinen großartigen Darstellern. In den fünf Hauptrollen sind Florian David Fitz (Vincent), Karoline Herfurth (Marie), Johannes Allmayer (Alexander), Heino Ferch (Vincents Vater) und Katharina Müller-Elmau (Frau Dr. Rose) zu nennen, die ihre Sache wunderbar machen und ihre Charaktere authentisch vortragen. Vor allem die Leistung von Florian David Fitz, der sich intensiv auf seine Rolle vorbereitet hat, ist hier hervorzuheben. Er hat übrigens auch das Drehbuch zum Film geschrieben.

Insgesamt handelt es sich bei "Vincent will Meer" um einen wunderschönen Spielfilm, der es schafft, Humor und Tragik gekonnt miteinander zu vereinen und darüber hinaus auch noch Grundzüge eines Roadmovie mit sich bringt. Trotz mancher stereotyper und klischeehafter Momente wirken Handlung und Charaktere zu keinem Zeitpunkt aus der Luft gegriffen, sondern wissen durch ihre Authentizität zu überzeugen.

Trailer:

Genre: Drama
Länge: 118 Minuten
Regie: Hermine Huntgeburth
Produktionsland: Deutschland
Originalsprache: Deutsch
Erscheinungsjahr: 2009
FSK: 12

Darsteller:
Julia Jentsch
Sebastian Koch
Mišel Matičević
Margarita Broich
Barbara Auer
Juliane Köhler
Thomas Thieme
Rüdiger Vogler
Ludwig Blochberger
Sunnyi Melles
Mirko Lang
André Hennicke

Handlung:
Auf Wunsch ihrer Eltern heiratet die temperamentvolle, siebzehnjährige Effi Briest den fast 20 Jahre älteren Baron von Innstetten - einen früheren Verehrer ihrer Mutter. Mit dieser aus Vernunft geschlossenen Ehe beginnt für Effi ein eintöniges Leben fernab der Heimat. Innstetten widmet sich voll und ganz seiner politischen Karriere und das verschlafene Ostsee-Küstenstädtchen Kessin bietet wenig Abwechslung. Major Crampas taucht auf, ein Regimentskamerad Instettens und ein charmanter Frauenheld. Effi beginnt eine Leidenschaftliche Affäre mit ihm und erfährt endlich was Liebe bedeutet. Doch der Preis ist hoch...

Bewertung:
Erst einmal möchte ich darauf hinweisen, dass ich nicht zu den großen Verfechtern oder Liebhabern der Literaturvorlage von Theodor Fontane zähle und der Aussage von Thomas Mann ("Eine Romanbibliothek der rigorosesten Auswahl, und beschränkte man sie auf ein Dutzend Bände, auf zehn, auf sechs - sie dürfte >Effi Briest< nicht vermissen lassen.") eher nicht zustimme. Allerdings weiß ich dennoch, welchen Stellenwert dieser Roman in der deutschen Lyrik hat und dass er ein wichtiges Werk für den poetischen Realismus ist. Ich selber habe es schließlich auch gelesen, wenn auch nur im Deutsch Leistungskurs. Und eben jener Kurs trägt Schuld an dieser katastrophalen Filmerfahrung, da wir uns den Film einst im Kino ansehen mussten.

Nun, vielleicht hätte Hermine Huntgeburth das Buch auch mal lesen sollen. Denn was der Zuschauer hier zu sehen bekommt, hat mit dem Roman "Effi Briest" rein gar nichts mehr zu tun. Natürlich fühlt sich mittlerweile jeder Regisseur dazu berufen, literarische Vorlagen durch eigenes Denken umzustrukturieren oder zumindest ein wenig zu modernisieren. Dieses Vorhaben kann Schlechtes bedeuten, muss aber nicht. Doch in diesem Film wurde mehr als nur umstrukturiert - hier wurde verstümmelt, was das Zeug hält. Die Intentionen, die Theodor Fontane mit diesem Jahrhundertroman verfolgt hatte, wurden hier entweder ignoriert oder in das Gegenteil gekehrt. Außerdem wurden die vielen Andeutungen völlig entwertet, da man sie nun entweder vergeblich sucht oder auf dem Silbertablett serviert bekommt. Die vielen Affären Effis wurden zum Beispiel in einer dermaßen hohen Anzahl verfilmt, dass viele Besucher im Kino schon damit anfingen, obszöne Bemerkungen zu machen. Leider führen diese Szenen dazu, dass dem Zuschauer hier eine mehr als grobe Schwarz-Weiß-Malerei geboten wird. Ein paar Minuten mehr, und der Film hätte in diversen anderen Genres Platz gehabt. Und dort wäre dieser Streifen wohl auch viel besser aufgehoben, denn eine Literaturverfilmung ist das hier einfach nicht mehr. Allein die Tatsache, dass Effi in diesem Film überlebt, kehrt sämtliche Intentionen Fontanes in eine andere Richtung. Stattdessen erlebt der Zuschauer eine Effi, die es am Ende schafft, sich alleine durchzuschlagen und ihren Widerstand gegenüber der Gesellschaft praktisch als Aushängeschild benutzt. War Effi Briest vielleicht so etwas wie die erste deutsche Punkerin?

Die wenigen Szenen und Dialoge, die sich doch noch voll und ganz an der Originalvorlage orientieren, sind leider nur ein Tropfen auf dem heißen Stein und damit viel zu wenig, um hier wirklich noch etwas retten zu können. Manche Szenen wurden eigentlich gut umgesetzt und inszeniert, aber irgendwie schafft es das Drehbuch, auch diese auszubremsen und zu neutralisieren. So wird die Thematik um den Chinesen hier dermaßen in Länge und Breite gezogen, sodass man seine vielen Auftritte zu zählen beginnt. Es wirkt fast schon so, als wollte man dadurch die vielen Defizite im Drehbuch verwaschen oder Effis Ängste reduzieren. Eigentlich kann man sogar so weit gehen und sagen, dass dieser Film gar nicht das Schicksal der Effi Briest erzählt, sondern das irgendeiner anderen Frau. Die Tragweite der Literaturvorlage wird hier leider überhaupt nicht getroffen. Die Konventionen und die höfische Etikette werden nicht hinterfragt, wodurch ein solcher Film überflüssig wird.

Die Schauspieler haben mich ebenfalls nicht voll und ganz überzeugt. Einzig und allein Sebastian Koch als Geert von Innstetten sowie Juliane Köhler und Thomas Thieme als Effis Eltern können hier noch etwas retten. Und auch André Hennicke als Geheimrat Wüllersdorf mag gerade noch so durchgehen. Die restliche Besetzung wird durch das Drehbuch leider ausgekontert, was auf die anfangs erwähnte Umstrukturierung zurückzuführen ist. Vor allem bei Julia Jentsch habe ich mich über die dürftige schauspielerische Leistung gewundert. In der Rolle der Sophie Scholl blühte sie auf vor einzigartiger Empathie - sogar die Tränen waren echt. Hier wirkt sie leider völlig deplatziert, was eventuell damit zusammenhängt, dass sie für diese Rolle einfach zu alt ist. Klanghafte Namen machen eben noch lange keinen guten Film aus, was man hier wieder einmal deutlich sehen kann. Theodor Fontane würde sich im Grab umdrehen, wenn er sehen würde, wie sein Werk mehr als 100 Jahre nach dessen Veröffentlichung verfilmt und umgesetzt wurde. Hoffentlich war das die letzte Verfilmung von "Effi Briest", sodass man sich in Zukunft noch am Roman erfreuen und diesen Film damit ganz einfach vergessen kann. Schade eigentlich, die Voraussetzungen für einen guten Streifen waren hier auf jeden Fall gegeben. Aber wer frische Zutaten nach einem falschen Rezept kocht, braucht sich über ein miserables Ergebnis nicht zu wundern.

Trailer:

Genre: Comicverfilmung
Länge: 111 Minuten
Regie: Laurent Tirard
Produktionsland: Frankreich, Spanien, Italien, Ungarn
Originalsprache: Französisch
Erscheinungsjahr: 2012
FSK: 0

Darsteller:
Gérard Depardieu
Édouard Baer
Catherine Deneuve
Vincent Lacoste
Guillaume Gallienne
Fabrice Luchini
Valérie Lemercier
Charlotte Le Bon
Jean Rochefort
Gérard Jugnot
Dany Boon

Handlung:
Auf der Suche nach weiteren Eroberungen fährt Julius Cäsar mit seinen Truppen nach Britannien. Das Land wird schnell unterworfen, nur das Dorf der Königin leistet noch erbitterten Widerstand. Als dieser zu brechen droht, schickt die Queen ihren Berater Teefax in ein kleines gallisches Dorf, wo es einen Zaubertrank geben soll, der denjenigen, der ihn trinkt, unbesiegbar macht. Aber auch ohne die britischen Sorgen haben Asterix und Obelix schon genug zu tun: Grautvornix, der Neffe des Häuptlings, ist über die Ferien aus Lutetia gekommen, weil sein Vater will, dass aus ihm ein richtiger Mann wird...

Bewertung:
Als ich vor über zwei Jahren einen Trailer zu diesem Film gesehen habe, hielt sich meine Begeisterung ehrlich gesagt in Grenzen. Im Kino habe ich mir diesen Film nicht angeschaut, und um die anschließende Veröffentlichung auf DVD habe ich immer einen großen Bogen gemacht. Erst vor kurzer Zeit habe ich zugeschlagen - und meine Befürchtungen haben sich leider voll und ganz bewahrheitet. Angesichts der durchwachsenen Vorgänger "Asterix bei den Olympischen Spielen" und "Asterix & Obelix: Mission Kleopatra" rechnete ich sowieso nicht mit einem Streifen, der seiner Vorlage gerecht wird, aber auf diese Verstümmelung einer der besten Comicvorlagen der Reihe überhaupt war ich dann doch nicht gefasst.

Kritikpunkt 1: Die Geschichte
Dieser Film besteht in erster Linie aus der Vorlage "Asterix bei den Briten", weist aber auch viele Grundzüge aus "Asterix und die Normannen" auf. In beiden Fällen handelt es sich um Comics, die ich immer wieder gerne lese. Außerdem wurden beide Bände schon als Zeichentrickfilm veröffentlicht. Der Film zu "Asterix bei den Briten" wurde 1986 veröffentlicht und brachte seine Vorlage praktisch 1:1 auf die Leinwand, während der 2006 erschienene Film "Asterix und die Wikinger" sein schriftliches Werk schon ein wenig freizügiger behandelte. Hier wurden beide Geschichten in einem Realfilm vereint, und das ist meiner Meinung nach vollkommen misslungen. Die beiden Geschichten passen hinten und vorne nicht zueinander. Ich frage mich, warum man nicht einfach eine Vorlage nimmt und den Film dafür etwas kürzer macht. Manchmal läuft die eigentliche Geschichte dermaßen stark aus dem Ruder, dass sich die Handlungsstränge vollkommen im Film verlieren, in den Hintergrund geraten und nicht mehr nachvollzogen werden können.

Kritikpunkt 2: Die Charaktere
Und hiermit komme ich zum größten Kritikpunkt dieses Films. Die im Film vorgestellten Charaktere wecken von vorne bis hinten einfach keine Sympathien oder werden durch fragliche Verhaltensweisen falsch dargestellt. Eventuell hängt das damit zusammen, dass sich die Darsteller bis auf Gérard Depardieu im stetigen Wechsel befinden. Julius Cäsar wurde bisher in jedem Film von einem anderen Schauspieler verkörpert, und auch Asterix zählt mit Édouard Baer, der in "Asterix und Obelix: Mission Kleopatra" bereits als Sekretaris zu sehen gewesen ist, schon seinen dritten Darsteller. Beide Figuren wurden im Film entstellt. Julius Cäsar besitzt nichts mehr von den Werten, die Gottfried John oder Alain Delon noch darzustellen vermochten, und Asterix wurde von einem listigen Krieger zu einem albernen Womanizer, dem man sein Verhalten zu keinem Zeitpunkt des Films abnimmt. Und da Teefax seinem Vorbild aus dem Comic zu keiner Zeit gerecht wird, sticht nur Obelix durch seine sympathische und naive Art hervor - auch wenn sie im Vergleich zu den Vorgängern deutlich an Qualität verloren hat. Wobei ich mich doch gefragt habe, seit wann Obelix sich eine Schlägerei mit den Römern entgehen lässt, um mit feinen englischen Damen heißes Wasser zu trinken.
Und die restlichen Charaktere? Der Darsteller von Grautvornix (Vincent Lacoste) sieht aus und spielt, als hätte er den gesamten Film abgedreht, ohne einmal zu schlafen. Und da seine Geschichte aufgrund der Vermischung zweier Vorlagen nicht genauer beleuchtet werden kann, erscheint er hier wie eine Randfigur, die dem Zuschauer schlicht und einfach egal ist. Hinzu kommen noch die Rolle von Miss Macintosh (Valérie Lemercier), deren Witz spurlos an mir vorüber gegangen ist und die viel zu viel Screentime hat, und die Rolle von Ophelia (Charlotte Lebon), die wohl nur aus einem einzigen Grund in den Film aufgenommen wurde...

Kritikpunkt 3: Die ewigen Liebesgeschichten
Wenn man mal die komplizierte Situation zwischen Obelix und Falbala ausklammert, ging es in den Geschichten um Asterix nur sehr selten um Beziehungen und Liebe. Und wenn, dann wurde die Ehe oft als schwierig beschrieben. Aber irgendwie scheint es heutzutage modern zu sein, allen möglichen (und unmöglichen) Vorlagen die gehörige Portion Kitsch beizufügen. Asterix geht auf Brautschau, Obelix nähert sich den Mädchen an und zwischen Teefax und Ophelia spielt sich eine Romanze ab, die dermaßen langweilig und oberflächlich verläuft, dass der Zuschauer sich nicht einmal annähernd für ihre Entwicklung und ihren Ausgang interessiert. Warum muss man heutzutage eigentlich in jede Geschichte eine Romanze einbauen? Sind Filme ohne Liebesgeschichte nicht mehr modern? Schon in "Asterix bei den Olympischen Spielen" spielte eine belanglose Romanze eine tragende Rolle, obwohl in der Comicvorlage weder sie noch ihre Figuren erwähnt wurden.

Kritikpunkt 4: Die Freundschaft zwischen Asterix und Obelix
Was ist nur aus den beiden unzertrennlichen Freunden geworden, die sich innerhalb eines Abenteuers gerne mal lautstark als "Hörr Asterix" und "Hörr Obelix" gestritten haben? In diesem Film wirken Asterix und Obelix wie ein altes Ehepaar, das gerade eine kritische Zeit überwinden muss. Es gibt keine lustigen Auseinandersetzungen, keine heftigen Streitereien und keine witzigen Dialoge. Stattdessen bekommt der Zuschauer langweilige Meinungsverschiedenheiten zu hören, die sich verdammt stark nach einer Midlife-Crisis anhören und nicht einmal im Ansatz so etwas wie Humor aufweisen können.

Kritikpunkt 5: Fehlende Figuren
Wer auf sympathische Charaktere wie Automatix, Verleihnix, Troubadix oder Sebigbos wartet, kann den Film direkt wieder abschalten. Das gallische Dorf scheint nur noch aus Asterix, Obelix, Idefix und Majestix zu bestehen. Der Rest darf entweder nur einmal in die Kamera schauen oder wird komplett unter den Teppich gekehrt. Sogar die eigentlich sehr wichtige Figur von Miraculix wurde nicht in den Film aufgenommen. Wie kann man so eine tragende Rolle einfach streichen? Wo kommt der Zaubertrank her? Sicher, die Figur hat auch in der Vorlage keine allzu große Rolle gespielt, aber dass sie - übrigens zum ersten Mal überhaupt - gar nicht vorkommt, hat mich doch mehr als nur negativ überrascht.

Diese fünf Kritikpunkte haben bei mir dafür für erhebliches Missfallen gesorgt. Den zweiten Stern vergebe ich nur deshalb, weil die Ausstattung des Films stellenweise sehr ansprechend ist, die Effekte relativ annehmbar sind, der Soundtrack trotz der unpassenden Rocksongs meistens ziemlich gut klingt und manche Stellen des Films doch noch erkennen lassen, auf welchen Vorlagen er basiert. Aber für mehr reicht es nicht. Aus diesem Klassiker hätte man viel mehr herausholen müssen.

Trailer:

Genre: Schwarze Komödie
Länge: 90 Minuten
Regie: Artus de Penguern
Produktionsland: Frankreich
Originalsprache: Französisch
Erscheinungsjahr: 2001
FSK: 12

Darsteller:
Artus de Penguern
Pascale Arbillot
Élisabeth Vitali
Antoine Duléry
Anne Caillon
Didier Bénureau
Marie-Armelle Deguy
Serge Riaboukine
Clovis Cornillac
Michel Bompoil

Handlung:
Gregoire Moulin, ein schüchterner Junggeselle, tritt eine neue Arbeitsstelle in Paris an. Seine Mittagspausen in einem Café verbringend, verguckt er sich schnell in die Ballettlehrerin Odile, traut sich aber nicht, sie anzusprechen. Also klaut er ihre Brieftasche, um sich hinterher als ehrlicher Finder ein Rendevouz zu erschleichen. Der Plan scheint zunächst zu funktionieren, aber leider hat Gregoire die Rechnung ohne die teilweise schrägen Bewohner von Paris und den Fußball gemacht. Und so stürzt er von einem Missgeschick ins nächste...

Bewertung:
Ich sah diesen Film mehr oder weniger zufällig im Fernsehen. Aber es hat sich auf jeden Fall gelohnt, ihn laufen zu lassen, denn so herzlich gelacht hatte ich während eines Films schon sehr lange nicht mehr. Hier sieht man Comedy und schwarzen Humor vom Feinsten und obendrauf noch zwei sympathische Hauptfiguren. Manchmal möchte man Gregoire Moulin einfach nur noch helfen zum Ziel zu gelangen, so viel Pech hat dieser im wahrsten Sinne des Wortes neurotische Pechvogel. Immer wieder gerät er in diverse Fettnäpfchen. Da wären zum Beispiel ein mehr als anhänglicher Franzose, der Gregoire partout nicht gehen lassen möchte, eine Bande Hooligans, ein Taxifahrer, der seinen Hund gerne mal ans Steuer lässt, ein Barkeeper und mehrere verrückte Passanten zu nennen.
Als Zuschauer dieses Films sollte man auf jeden Fall offen für schwarzen Humor sein, da dieser Film eine Menge davon besitzt und einen immer wieder damit konfrontiert. Dieser Film ist auf keinen Fall diskriminierend gemeint, er nimmt sich selber nicht mal richtig ernst. Hier handelt es sich eben um einen reinen Unterhaltungsfilm, in dem sogar der Fußball einen Platz findet, wenn auch in negativer Hinsicht. Das einzige, was mir an diesem Film nicht ganz gefallen hat, war das Ende, das zwar zur Geschichte der Hauptfigur passt, aber irgendwie schwach und kitschig wirkt.
Insgesamt überwiegen bei diesem Film aber die positiven Aspekte. Die Anzahl der Lachanfälle, die man hier bekommen wird oder bekommen kann, lässt sich hoffentlich nicht mehr an zwei Händen abzählen, denn das wäre bei diesem Film sehr schade.

Trailer:

Genre: Psychodrama
Länge: 84 Minuten
Regie: Krzysztof Kieslowski
Produktionsland: Polen
Originalsprache: Polnisch
Erscheinungsjahr: 1988
FSK: 16

Darsteller:
Miroslaw Baka
Krzysztof Globisz
Jan Tesarz
Zbigniew Zapasiewicz
Barbara Dziekan

Handlung:
Der Film zeigt uns drei Figuren, deren Geschichten zunächst völlig unabhängig voneinander verlaufen: Jacek Lazar, der sich ziellos durch Warschau treiben lässt, Piotr Balicki, der gerade seine Prüfung zum Rechtsanwalt bestehen muss, und einen Taxifahrer, der noch nicht weiß, welches Schicksal ihn erwartet. Durch den Mord, den Jacek am Taxifahrer ausübt, kommen die Ereignisse ins Rollen, wodurch die drei Figuren untereinander agieren. Jacek wird gefasst und zum Tod durch den Strang verurteilt.

Bewertung:
Die beiden Tötungen werden gleichgestellt. Beide Täter, sowohl Jacek als auch der Staat, können ihre Opfer nur mit großer Mühe unschädlich machen. Zwischendurch keimt sogar etwas wie Gnade auf: Jacek schaut sich den Taxifahrer einen Moment lang schockiert an und einer der Gefängniswärter gibt ihm kurz vor der Hinrichtung eine Zigarette zur Beruhigung. Aber letztendlich werden die beiden Morde kalt und konsequent zu Ende geführt. Krzysztof Kieslowski stellt die beiden Morde bewusst nebeneinander und behandelt sie gleich. Wenn man den Film das erste Mal sieht, beginnt man, Jacek dafür zu hassen, dass er sein Opfer so lange bearbeitet, bis es wirklich tot ist. Doch wenn er später hingerichtet werden soll und die Wärter seine Hinrichtung ebenso kalt durchziehen wie Jacek zuvor seinen Mord, kehren sich diese Gefühle genau ins Gegenteil. Nun beginnt man den Staat für sein systematisches Morden zu hassen und Mitleid für Jacek zu empfinden. Mord und Strafe werden gleichgestellt, sodass eine eindeutige Lösung unmöglich wird. Hinzu kommt, dass dem Zuschauer kein richtiger Grund für den Mord an dem Taxifahrer geliefert wird, sodass man die Hinrichtung nicht ablehnen oder befürworten kann. Der Zuschauer soll die Charaktere, ihre Intentionen und ihr Handeln selber bewerten.

Die Mittel, die im Film verwendet werden, stellen den kalten Charakter der Figuren noch deutlicher heraus. Durch den Grünfilter wirken die gezeigten Orte noch trister und leerer, als sie sowieso schon sind. Zudem wirkt der Film dadurch noch ein wenig krimineller, da dieser Farbton an Verbrecherfotos erinnert. Außerdem sieht man kurz vor dem Mord an dem Taxifahrer einen Passanten, der ein großes Maßband in der Hand hält. Die Zahl 5 ist darauf gut zu erkennen und befindet sich genau in der Mitte des Bildes. Dies ist ein Verweis auf das fünfte Gebot: "Du sollst nicht töten". Viele sehen in diesem Film zwar ein Plädoyer gegen die Todesstrafe, aber das ist er nicht - es ist ein Film über und vor allem gegen das Töten.

Trailer:

Genre: Animation
Länge: 82 Minuten
Regie: Eric Leighton & Ralph Zondag
Produktionsland: USA
Originalsprache: Englisch
Erscheinungsjahr: 2000
FSK: 6

Deutsche Sprecher:
Pascal Breuer
Joseline Gassen
Roland Hemmo
Dieter Landuris
Kristina Tietz
Hans-Michael Rehberg
Sophie von Kessel
Claus Theo Gärtner
Gerda Gmelin
Gisela Fritsch

Handlung:
Der junge und verwaiste Iguanodon Aladar wächst als einziger Saurier seiner Art auf einer Insel auf, die von Lemuren bevölkert wird. Obwohl er nicht die Gesellschaft gleicher Saurier genießen kann, ist er mit dem Leben auf der friedlichen Insel vollkommen zufrieden. Doch als eines Tages ein Asteroid auf der Erde einschlägt, verändert sich für Aladar und seine Freunde alles: Die Insel wird vollständig zerstört, weshalb die überlebenden Bewohner sich auf die Suche nach einer neuen Heimat machen müssen. Auf dem gefährlichen Weg macht Aladar zum ersten Mal Bekanntschaft mit Artgenossen und verliebt sich in die Schwester des tyrannischen Anführers der Herde. Doch die Verfolgung durch fleischfressende Dinosaurier, der ständige Durst und die anstrengende Reise zehren an den Kräften, und so wird Aladar schnell klar, dass nicht alle Dinosaurier die neue Heimat lebend erreichen werden...

Bewertung:
Ich bin mit den Disneyfilmen der 1990er-Jahre aufgewachsen und kann Streifen wie "Aladdin", "Der König der Löwen", "Pocahontas", "Der Glöckner von Notre Dame", "Hercules" oder "Tarzan" auch nach all den Jahren noch auswendig mitsprechen. Man merkt, dass ich in dieser Hinsicht ein großer Fan von Disney bin. Nur mit den Animationsfilmen konnte ich mich nie so wirklich anfreunden. Zwar sind mir auch sie größtenteils bekannt, aber sie üben auf mich irgendwie nicht den gleichen Charme aus wie die guten alten Zeichentrickfilme. Und so habe ich lange Zeit einen großen Bogen um "Dinosaurier" gemacht, obwohl ich mir diesen Film schon seit Jahren anschauen wollte. Nun habe ich diesen Umstand nachgeholt und kann zu meiner Erleichterung sagen, dass es sich um einen soliden Disneyfilm handelt.

Punkt 1: Die Geschichte
Man bediene sich am kurz zuvor erschienenen Film "Tarzan" und mische ihn mit einer nicht unerheblichen Prise "In einem Land vor unserer Zeit". Das Ergebnis ist Disneys "Dinosaurier". Das klingt eventuell ein wenig hart, ist im Endeffekt aber die Wahrheit. Bis zum Einschlag des Asteroiden hat man aufgrund des verwaisten Dinosauriers Aladar tatsächlich das Gefühl, ein urzeitliches Remake von "Tarzan" zu sehen. Aladar landet unfreiwillig bei den Lemuren und wird von deren Anführer zunächst für gefährlich gehalten, darf aber bleiben und wächst in der Folge unter fremden Tieren auf. Auf seine Artgenossen trifft er erst später. Obwohl die Selbstzweifel der Hauptfigur, die man in "Tarzan" sehen kann, hier nicht Bestandteil des Films sind, sind die Parallelen zwischen den beiden Geschichten unverkennbar. Nach dem Einschlag des Asteroiden erkennt man schnell einige Parallelen zu "In einem Land vor unserer Zeit". Auch in diesem Film versucht eine bunt zusammengewürfelte Herde, ein fruchtbares Tal zu erreichen. Allerdings finde ich es alles andere als schlimm, dass man hier so offensichtliche Gemeinsamkeiten herausgezogen hat. Ganz im Gegenteil: Trotz der bereits gebrauchten Zutaten schafft Disney es mit Leichtigkeit, ein eigenes Endergebnis zu produzieren.

Punkt 2: Die Charaktere
Dieser Punkt hat mich ehrlich gesagt ein wenig enttäuscht. Disney zeichnet sich in fast allen Filmen dadurch aus, durch und durch liebenswerte Figuren zu erschaffen, die der Zuschauer vom ersten Moment an in sein Herz schließt, aber das ist im Film "Dinosaurier" leider nicht vollständig gelungen. Viele Figuren bleiben über den gesamten Film viel zu blass und werden nicht ausreichend charakterisiert, weswegen man sich nur sehr schwer in sie hineinversetzen kann und ihnen folglich mit einer kalten Art von Gleichgültigkeit begegnet. Eventuell hängt das damit zusammen, dass man hier auf keinen reinen Antagonisten gesetzt hat, womit auch die Protagonisten ein wenig ausgekontert werden? Die Voraussetzungen waren eigentlich gegeben, aber man hat sie leider nicht vollständig umgesetzt. Nehmen wir doch mal die Figur von Aladars Ziehmutter, Plio, als Beispiel: Obwohl sie sich in einer ähnlichen Situation befindet wie die Gorilladame Kala aus "Tarzan", versprüht sie nicht einmal annähernd so viel Wärme und Hingabe. Und mit dieser fehlenden Charakterisierung steht sie leider nicht alleine da. Bei vielen Figuren wurde das Potential nicht ausgeschöpft, was für einen Disneyfilm sehr untypisch ist.

Punkt 3: Die Animationen
"Wenn die Charaktere schon nicht ausreichend beleuchtet werden, müssen sie wenigstens gut aussehen!" - So oder so ähnlich scheinen die Produzenten im Vorfeld gedacht zu haben. Und auf diesem Gebiet haben sie alles richtig gemacht. Anders als bei gewöhnlichen Animationsfilmen entstanden die Szenen nicht komplett am Computer, sondern sind eine Kombination aus animierten Figuren und echten Naturaufnahmen, die unter anderem aus Australien, Venezuela und Samoa stammen. Hierbei hat man sich wirklich sehr viel Mühe gegeben. Die animierten Dinosaurier harmonieren perfekt mit der Landschaft, die tatsächlich etwas Urzeitliches an sich hat.

Punkt 4: Die Atmosphäre
Ich habe bereits geschrieben, dass dieser Film einige Parallelen zu "In einem Land vor unserer Zeit" aufweist. Das gilt nicht nur für Teile der Geschichte, sondern auch für die stellenweise bedrückende und ernste Atmosphäre. So werden auch hier tote Dinosaurier, dunkle Bilder, triste Gegenden, ernste Situationen und spannende Verfolgungsjagden gezeigt. Und da die Lieder, die bei Disneyfilmen normalerweise eingesetzt werden, bei diesem Film vollständig wegfallen, wird diese Stimmung von Anfang bis Ende durchgezogen. Aus diesem Grund sollte man die FSK-Einstufung auf jeden Fall ernst nehmen und den Film beim ersten Durchlauf besser gemeinsam mit seinen Kindern anschauen.

Punkt 5: Die Filmmusik
Man soll sich das Beste zum Schluss aufheben. Ich halte mich einfach mal an diesen platten Spruch und erwähne die Filmmusik von James Newton Howard erst am Ende meiner Rezension. Der bekannte Komponist und Musikproduzent hat hier ganze Arbeit geleistet und sich für diesen Soundtrack die Bestnote verdient. Schon die ersten Minuten des Films hauen den Zuschauer dermaßen um, dass man sich fast wünscht, dass die Dinosaurier stumm blieben und der Film ausschließlich von seiner Musik getragen wird. Der Soundtrack gibt diesem untypischen, aber soliden Disneyfilm den letzten Schliff und wird durch den schönen Titelsong "Can Somebody Tell Me Who I Am?" abgerundet, der von der deutschen Gruppe Orange Blue produziert wurde.

Trailer:

Genre: Dramedy
Episodenlänge: ca. 42 Minuten, Pilotfolge ca. 77 Minuten
Staffeln: 4 (60 Episoden) - Staffel 5 startet am 24.06.2015
Erschienen in: USA
Erstausstrahlung: 23.06.2011
Originalsprache: Englisch

Handlung/Einführung/Pilotfolge: Mike Ross besitzt ein fotografisches Gedächtnis und verdient seinen Lebensunterhalt damit, dass er Prüfungen für Studenten ablegt. Dabei spezialisiert er sich vor allem auf Law School Admission Tests, also Zugangstests für ein juristisches Studium. Er selber ist ein Hochschulabbrecher, da er dabei erwischt wurde wie er der Tochter des Dekans Lösungen für eine Matheprüfung verkauft hat. Mike wollte seit Kindheitstagen einmal Anwalt werden, was ihm dadurch verwehrt blieb. Als er erfährt, dass er schnell eine große Menge an Geld besorgen muss, um seine Großmutter in einem privaten Pflegeheim unterzubringen, gerät Mike in Panik. Daraufhin nimmt er das Angebot seines besten Freundes Trevor an, für ihn den Drogenkurier zu spielen und einen Koffer mit Marihuana auszuliefern. Durch diesen einmaligen Job soll Mike das benötigte Geld erhalten.

Harvey Specter wird derweil in seiner Kanzlei zum Senior-Partner ernannt. Specter gilt als einer der besten Anwälte der Stadt und ist als sogenannter Closer dafür bekannt, besonders schwierige Fälle abzuschließen. Obwohl er dagegen ist, muss sich Specter der Firmenpolitik beugen und sich einen jungen Anwalt als neuen Mitarbeiter suchen. Die Vorstellungsgespräche dafür finden im selben Gebäude statt, in dem Mike den Koffer ausliefern soll. Als eben dieser dort ankommt, gelingt es ihm schnell die Lage zu überblicken. Vor Ort sind einige Undercoverermittler, die ihn bereits verdächtigen und ihm auf der Ferse sind. Zufällig gerät Mike dann in den Anmelderaum für die Vorstellungsgespräche von Harvey Specter. Specters Sekretärin, Donna, hält ihn versehentlich für einen Bewerber und lässt ihn für ein Gespräch durch, da sie von seiner humorvollen Ausrede für seine Verspätung angetan ist. Schnell bemerkt Specter, dass vor ihm kein richtiger Bewerber steht, dennoch unterhalten sich die Beiden und Mike gelingt es tatsächlich, den Top-Anwalt zu beeindrucken. Obwohl Mike keinen juristischen Abschluss hat, will Specter ihn einstellen. Dafür wollen sie vorgeben, dass Mike ein Absolvent der jurisitschen Fakultät von Harvard sei, da Specters Kanzlei eben nur solche einstellt. Eingeweiht wird nur Donna, die schon seit Jahren für Harvey arbeitet.

Ross ist ab sofort als Specters rechte Hand tätig und fängt an, als Anwalt in New York zu arbeiten. Allerdings ergeben sich schnell Probleme für das Duo: oftmals geraten Mike und Harvey aufgrund von Meinungsverschiedenheiten aneinander und Junior-Partner Louis Litt, Specters Rivale, hat es sofort auf den Liebling seines Konkurrenten abgesehen. Dazu kommen interne und externe Bedrohungen, die das Wohl der Kanzlei gefährden und natürlich die Angst, dass ihre Lüge auffliegen könnte. Auch privat hat Mike mit einigen Sachen zu kämpfen; so droht Trevor in seinen Drogengeschäften zu versinken und in Sachen Liebe ist Mike hin- und hergerissen...

Darsteller: Gabriel Macht (Harvey Specter), Patrick J. Adams (Mike Ross), Rick Hoffman (Louis Litt), Meghan Markle (Rachel Zane), Sarah Rafferty (Donna Paulsen), Gina Torres (Jessica Pearson)
Bewertung: Mit Sicherheit top-notch, für mich persönlich eine der besten Serien die ich bisher geschaut habe.
Empfehlung: Würde ich jedem empfehlen, der beim Lesen der Handlung/Einführung Lust auf mehr bekommen hat. Muss zugeben, dass ich selber zuerst skeptisch war, aber die Umsetzung und die Darstellung der Charaktere, gerade Harvey Specter von Gabriel Macht, sind überragend. Des Weiteren besitzt Suits derzeit ca. 60 Folgen und die fünfte Staffel startet bald in den USA, also ist genügend Material vorhanden falls jemand auf der Suche nach einer Serie ist, die er langfristig anschauen kann. Für mich gab es bei Suits bisher (Ende Staffel 3) keinen Qualitätsverlust und ich bin auf die kommenden Folgen schon sehr gespannt.