Der ultimative GFX-Guide

In diesem Tutorial werden wir eine Technik kennenlernen, die beim GFXen besonders häufig zum Einsatz kommt. Und zwar soll es darum gehen, wie man mit Ebenenmasken arbeitet. Neben dem "professionellen" Radieren eignen sie sich auch, um den Hintergrund unseres Werkes detailreicher zu gestalten. Außerdem kann man die meisten Effekte wie zum Beispiel Filter nur auf das ganze Bild anwenden. Mit Ebenenmasken können wir uns gezielt Bereiche aussuchen, die wir bearbeiten möchten.

Wie erstelle ich eine Ebenenmaske?

Um verstehen zu können, wie die Ebenenmasken funktionieren, bietet es sich an, erst selbst eine zu erstellen. Dafür klicken wir mit der rechten Maustaste auf die jeweilige Ebene und gehen auf Ebenenmaske hinzufügen ... . Nun öffnet sich ein kleines Fenster, in dem man auswählen kann, wie die Maske initialisiert werden soll. Wir wollen uns in diesem Tutorial die beiden oberen Optionen genauer ansehen, wählen nun aber zunächst die erste aus: Weiß (volle Deckkraft). Am Bild ändert sich nichts, doch neben unserer Ebene taucht eine weitere, weiße auf - die Ebenenmaske. Wählt man im Schritt davor Schwarz (volle Transparenz) aus, so verschwindet unsere Ebene augenscheinlich. Dafür taucht im Ebenenmenü neben ihr eine zusätzliche, schwarze auf.

Wie funktionieren Ebenenmasken?

• Weiß (volle Deckkraft): Unsere Maske ist wie eine Schablone. Die Ebene ist wie ein weißes Blatt, aus dem wir einzelne Bereiche herausschneiden können. Dieses Herausschneiden machen wir, in dem wir auf der Maske mit schwarz über die Stellen brushen (mit einem Pinsel darüber gehen), die wir nicht verwenden wollen. An diesen Stellen entsteht volle Transparenz und die Ebene darunter wird sichtbar.
• Schwarz (volle Transparenz): Diese Maske funktioniert genau umgekehrt. Die betroffene Ebene wird zunächst vollkommen Transparent. Die Stellen der betroffenen Ebene, die wir behalten möchten, müssen auf der Maske mit einem weißen Pinsel übermalt werden. Jene Teile der Ebene sind dann nicht mehr transparent.

Natürlich kann man nicht nur mit schwarz und weiß über die Masken brushen. Die Grautöne dazwischen stellen Teiltransparenzen dar. Je heller die Farbe, desto transparenter wird der bearbeitete Bereich. Es gibt auch die Mögichkeit, mit einem Schwarz/Weiß Verlauf darüber zu gehen und somit einen Transparenzverlauf einer Ebene zu erstellen.

"Professionelles" Radieren

Zum Radieren könnten wir natürlich einfach das Radiergummi bemühen. Problem: Nach vielen Schritten ist es schwierig, radierte Bereiche doch wieder zurückzuholen. Mit Ebenmasken lässt sich das deutlich leichter realisieren. Anstatt zu radieren haben wir die unerwünschten Bereiche transparent gemacht. Wenn wir nun später feststellen, dass wir doch etwas davon benutzen möchten, können wir die Maske einfach löschen. Dafür klicken wir wieder mit der rechten Maustaste auf die Ebene und wählen Ebenenmaske löschen.

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In diesem Tutorial erfahrt ihr, wie man Schnittmasken in Photoshop erstellt und welchen Nutzen diese haben.

Was sind Schnittmasken und wozu dienen sie?
Wahrscheinlich hat der ein oder andere von euch den Begriff "Schnittmaske" im Zusammenhang mit Photoshop gehört. Dabei handelt es sich um eine Ebene, welche eine andere maskiert. Es ist einfacher als es vielleicht klingt! Zur Verdeutlichung einfach mal ein kurzes Beispiel:

Mit einer Schnittmaske sieht eure Typo nicht mehr wie im linken Bild aus, sondern wie im rechten Bild. Sprich der Stock maskiert die Typo!

Das Gleiche könnt ihr natürlich mit jeder beliebigen Ebene machen.
Mit Schnittmasken könnt ihr sehr schön Details reinbringen, indem man z.B. eine Bildberechnung des Hintergrunds macht und diese dann über einen C4D oder Particle legt, wie man an diesen beiden Beispielen sehen kann - Tag #1 u. Tag #2.
Außerdem könnt ihr Schnittmasken nutzen, um euch die Licht- und Schattensetzung zu vereinfachen, wie ihr in diesem Tutorial von October sehen könnt.
Ein weiteres Beispiel für die Nutzung von Schnittmasken wäre das Umfärben von irgendwelchen Ressourcen - könnt ihr im unteren Spoiler sehen.
Jetzt kommen wir aber zum Erstellen einer solchen Schnittmaske!

Schnittmaske erstellen

• Zu aller erst braucht ihr eine Ebene, auf welche sich die Schnittmaske beziehen soll. Nehmen wir einfach an, dass es sich dabei um einen C4D handelt, den ihr umfärben wollt.
• Über diesem erstellt ihr eine neue leere Ebene.
• Anschließend klickt ihr diese mit rechter Maustaste an und sucht im Menü nach dem Unterpunkt "Schnittmaske erstellen" und klickt diesen an. Schon habt ihr eure Schnittmaske.
• Wollt ihr diese rückgängig machen, wählt im Menü einfach den Unterpunkt "Schnittmaske zurückwandeln" aus.

Wozu wir Schnittmasken brauchen, hat @Violet bereits erklärt. Dieses Tutorial solltet ihr euch also zur Ergänzung ansehen, um näheres über Eigenschaften und Funktionen von Schnittmasken zu erfahren. Da sie bei der Gestaltung von Tags sehr hilfreich sein können, sollten sich auch die Gimp Nutzer damit auseinandersetzen. Eine eigene, schon eingebaute Funktion wie bei Photoshop haben wir hier leider nicht. Dennoch ist es möglich, über kleine Umwege zum gleichen Resultat zu kommen.

Wie erstelle ich eine Schnittmaske mit Gimp?

Um in Gimp eine Schnittmaske zu erstellen, wählen wir zunächst die Ebene aus, deren Umriss die Maske nachher haben soll. In meinem Beispiel ist das die Ebene mit der Schrift "Schnittmasken". Mit einem Rechtsklick auf diese öffnet sich ein Fenster, in dem wir Auswahl aus Alphakanal auswählen. Nun klicken wir auf die Ebene, deren Muster die Maske übernehmen soll. In der Leiste oben gehen wir auf Auswahl ---> Invertieren und drücken dann die Entf. Taste. Um die Auswahl rückgängig zu machen, müssen wir wieder in die obere Leiste. Dort auf Auswahl ---> Nichts. Schon haben wir unsere Schnittmaske!

Mehr Details für den Hintergrund

Nachdem wir den Hintergrund unserer Signatur zum Beispiel durch Smudgen gefüllt haben, sind wir mit der Farbwahl fürs Erste zufrieden. Der Flow ist in Ordnung, aber das Ganze erscheint noch etwas langweilig. Wenn man sich viele .psds angesehen hat, wird man feststellen, dass die Photoshop Nutzer ihre Hintergründe relativ früh durch Schnittmasken detailreicher gestalten. Aber das können wir jetzt auch! Daher suchen wir uns jetzt die Form für die zukünftige Maske ... Das kann ein C4D sein, aber auch ein Brush. Letzteres möchte ich hier verwenden. Wir wählen also einen Pinsel mit einer geeigneten Form aus und brushen damit auf die Stelle, die wir spannender gestalten möchten (Achtung, dafür neue Ebene erstellen!). In meinem Fall habe ich einen Splatter Brush gewählt, weil der ganz hübsche Feinheiten hat (ist im Standard Set nicht vorhanden, aber die kann man ganz leicht kostenlos von deviantArt o.ä. downloaden).

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Nun machen wir einfach dasselbe wie zu Anfang erklärt. Auswahl aus Alphakanal von der Ebene mit dem Brush, dann Auswahl Invertieren. Ich mache vorher meistens eine Ebene aus allen Sichtbaren, die ich leicht verschiebe. Diese wählen wir nun aus und drücken auf Entf. Anschließend muss man die Ebene mit dem Brush unsichtbar machen, dann kommt darunter die Schnittmaske zum Vorschein. Wenn man das noch etwas öfter macht, erhält man etwas ähnliches wie das rechte Bild. Zur Verdeutlichung habe ich hier noch mal die Stellen markiert, die ich mit Schnittmasken versehen habe:

Weitere Anwendungsmöglichkeiten könnt ihr wie gesagt in @Violets Tutorial für Photoshop nachlesen. Dort findet ihr auch Beispiele für fertige Signaturen, in denen Schnittmasken verwendet wurden. Und jetzt viel Spaß beim Ausprobieren (wenn das noch nicht passiert ist)! Zur Anwendung könnt ihr danach beispielsweise in das Tutorial von @Bear hinein schauen, bei dem der Hintergrund auf ähnliche Weise entstanden ist.

Fragen, Anmerkungen o. ä. können gern in dieses Topic gepostet werden!

In diesem Topic findet ihr "Fehler", die vor allem bei Anfängern häufig zu beobachten sind und demnach ebenso häufig kritisiert werden. Um euch das von vornherein zu ersparen, haben wir diese Liste mit generellen Kritikpunkten und nützlichen Tipps erstellt. Diese ist auch für das Verteilen von Feedback nützlich, da man bei generellen Dingen hierher verlinken und ansonsten detaillierter auf die eigentliche Signatur eingehen kann. Beachtet jedoch bitte, dass man viele dieser "Fehler" mit viel Übung auch gezielt und passend einsetzen kann. Hier sind also keine absoluten Don't aufgezählt, sondern die Liste soll lediglich den Einstieg in GFXen erleichtern. Natürlich wird die Liste laufend ergänzt, sollten weitere Punkte auffallen.

1. Vermeidet am Anfang die Typo

Wenn man mit dem Taggen anfängt, hat man häufig das Bedürfnis, eine Message auf sein Werk zu packen. Sei es der eigene oder der Username eines Auftraggebers, ein Zitat, der Name eines Charakters oder sonst etwas. Manchmal wird so ein Schriftzug durchaus gewünscht, fügt eurem Post jedoch immer die Version ohne die Schrift bzw. Typo bei! Das hat mehrere Gründe: Für Kommentatoren ist es leichter, die Tag ohne die Typo zu bewerten. Am Anfang solltet ihr das Augenmerk auf andere Dinge legen (bspw. Gestaltung des Hintergrundes, Render Einarbeitung, Licht und Schatten, ...). Die Typo kommt dabei in den meisten Fällen zu kurz und wird einfach schnell mit dem Text-Tool erstellt und an einer freien Stelle eingefügt. Meistens ist dann auch die Schriftart unpassend. Eine schlechte Typo wertet das Gesamtbild erheblich ab! Wenn ihr von vornherein keinen Schriftzug einplant, könnt ihr auch viel kreativer den Hintergrund gestalten. Häufig ist es nämlich so, dass man auftretenden Freiraum auf die Schnelle mit einer Typo kaschiert. Daher: Weglassen!

2. Sucht euch "einfache" Render

Die Motivation für den Einstieg ins GFXen ist häufig, dass man gern Signaturen mit bestimmten Charakteren erstellen möchten. Schnell sucht man sich da ungeeignete Render heraus. In dem Tutorial 08. Render und Stocks wird zum Thema Qualität einiges erwähnt, worauf man bei der Auswahl besonders achten sollte. Des Weiteren kann es (muss nicht) am Anfang leichter sein, seine Signatur nach einer bestimmten Fließrichtung, dem Flow, aufzubauen. Wenn ihr nach einem Render sucht, sollte dieser dann eine eindeutige Fließrichtung aufweisen, so dass euch die Arbeit damit erleichtert wird. Die Erfahrung zeigt auch, dass Render mit vielen Personen sich häufig schlechter einarbeiten lassen, als solche mit nur einer Person. In dem Einsteiger-Pack sind einige geeignete Render enthalten. Beschränkt euch bei der Auswahl am besten nicht dauernd auf ein Wunschmotiv, sondern geht auch mal danach, mit welchem Render ihr eventuell gut arbeiten könnt oder wozu ihr viele Ideen bezüglich der Gestaltung einer Tag habt. Sich mal durch Render - und Stock-Packs zu klicken, kann dabei hilfreich sein, neue Anreize zu bekommen.

3. Verwendet nicht zu viele (Space-)Stocks im BG

Stocks - vor allem Space Stocks - haben schon viele Hintergründe von Einsteigern geziert. Um die generellen Funktionen eurer Bildbearbeitungssoftware kennenzulernen, kann man das ein-, zweimal ausprobieren. Sobald ihr tiefer in die Thematik einsteigt, solltet ihr aber auf die großräumige Verwendung von Stocks verzichten. Einerseits haben diese sehr häufig eine schlechte Qualität, die das Gesamtbild eurer Tag bereits zu Anfang herabzieht. Viel wichtiger ist aber, dass ihr beim sturen Einfügen von Stocks nichts dazu lernt. Probiert lieber andere Techniken, um den Hintergrund zu füllen. Tutorials und .psds / .xcfs können dabei zu Anfang Möglichkeiten aufzeigen, von denen ihr euch inspirieren lassen könnt. Finger weg von nur - Stocks im BG!

4. Übertreibt es nicht mit den Filtern

Ganz klar ist es, dass ihr die ganzen Filter eures Programms einmal ausprobieren möchtet. Sobald ihr an einer Tag arbeitet, solltet ihr die Anwendung von Filtern jedoch nicht übertreiben! Der Grund hierfür ist einfach, dass dadurch massig Qualität verloren gehen kann. Vor allem der Weichzeichnen Filter wird von Einsteigern gern genutzt, ist aber häufig wenig gezielt eingesetzt. Beschränkt euch daher lieber auf ein paar wenige Filter, mit denen ihr an technisch günstigen Stellen einen Effekt erzielen wollt. Eine großflächige Anwendung sollte in den meisten Fällen vermieden werden.

5. Nutzt den verfügbaren Raum sinnvoll

Achtet bei der Gestaltung (des Hintergrundes) darauf, dass ihr erstens nicht zu viele Lücken habt, die einfach leer aussehen und das Gesamtbild langweilig wirken lassen. Solche Stellen kann man zum Beispiel gut mit Schnittmasken aufwerten, aber auch weitere Ressourcen sind denkbar. Achtet dann jedoch darauf, dass die Tag auch nicht zu voll wird. Werden zu viele Ressourcen verwendet, die dann auch nicht miteinander harmonieren (zum Beispiel weil sie unpassend in unterschiedliche Richtungen gehen), wirkt die Tag schnell messy. Am besten fangt ihr mit etwas weniger Füllung im BG an und tastet euch dann langsam vor. Nehmt euch die Zeit, im Zweifelsfall auch mal Ebenen wieder zu löschen! Manchmal fällt einem auch erst am nächsten Tag auf, dass Stellen sehr voll erscheinen, also nicht zu schnell arbeiten.

6. Lasst den Border weg!

Sehr verlockend scheint die Idee eines Rands um die Tag ... Sofern ihr keine kreative Idee für die Gestaltung oder Einbringung dieses Borders habt, lasst ihn weg! Er stört eher, als dem Gesamtbild zu nutzen. Häufig ist er auch schlichtweg unnötig ... Wenn ihr aus irgendwelchen Gründen auf diese paar Pixel Rand besteht, postet bitte immer eine Version ohne diesen, die Bewertung kann sich so auf die eigentliche Tag konzentrieren.

7. Arbeitet den Render ein

Neben der Gestaltung des Hintergrundes ist das Einarbeiten des Renders ein wichtiger Bestandteil eurer Arbeit an einer Tag. Etwas, was ihr auf jeden Fall immer tun könnt, ist, den Render bezüglich Licht und Schatten ins Gesamtbild einzufügen. Überlegt, wo Lichtquellen bestehen und wo realistischerweise schattige Stellen liegen müssen. Im Tutorial 10. Licht und Schatten erfahrt ihr, wie ihr eine Anpassung an die Lichtverhältnisse vornehmen könnt. Doch das ist nicht alles, was man zur Einarbeitung tun kann. Neben Schnittmasken können auch andere Ressourcen, die ihr gezielt über dem Render platziert, die Einheit von Render und Hintergrund herstellen. Beim Smudgen und Painten nehmt ihr euch Stellen im Render heraus, die ihr gezielt mit dem Hintergrund verschmelzen lasst oder auch mit Elementen darin verbindet. Probiert euch an unterschiedlichen Techniken! In den meisten Fällen sieht das sehr viel besser aus, als wenn ihr den Render zum Schluss lose oben "drauf klatscht".

8. Tolle Farben können Wunder bewirken

Die richtige Farbwahl kann die Wirkung einer Signatur ungemein beeinflussen. Vor allem intensive Farben, die noch dazu miteinander harmonieren (siehe Farbkreis im GFX Grundlagen - Tutorial) werten euer Werk auf. Meint es damit jedoch nicht zu gut, denn eine große Farbvielfalt kann genauso auch störend und messy wirken. Versucht daher, die Farben bewusst einzusetzen, so dass sie zum Thema der Tag passen und ihre Atmosphäre unterstreichen. Falls euch die Farben am Ende gar nicht gefallen, kann man zur Not auch eine schwarz-weiße Variante wählen. Daran sollte man sich jedoch nicht gewöhnen, denn der richtige Umgang mit Farben sollte gut geübt sein.

9. Tipp: Wie bekomme ich eine bessere Qualität?

Zunächst einmal solltet ihr mit der Tag größer anfangen, als sie später eigentlich werden soll. Ihr habt dabei die Möglichkeit, viel genauer zu arbeiten. Qualitativ etwas schlechtere Stellen können zum Schluss durch das abschließende Skalieren aufgebessert werden und fallen dann weniger auf.

10. Tipp: Seid experimentierfreudig

Um ein besseres Gefühl für den verfügbaren Raum zu bekommen, könnt ihr unterschiedliche Formate ausprobieren. Das Standardformat hier im BisaBoard ist das typische horizontale Signaturformat. Versucht euch doch mal an einer Miniaturtag, also an einer sehr kleinen. Auch vertikale Signaturen oder quadratische können einem neue Erfahrungen einbringen, durch die man sein Können steigert. Lasst euch ruhig einmal auf etwas neues ein, das gilt am Anfang natürlich auch für Techniken, Ressourcen, usw.!

11. Nehmt Kritik an und lest Tutorials

Auch wenn ihr am Anfang viel Kritik bekommt, nehmt euch das nicht so sehr zu Herzen. Akzeptiert die Kritik und versucht die angesprochenen Punkte in Zukunft besser zu machen. Stück für Stück werdet ihr feststellen, dass die Kritik immer weniger und euer positives Feedback mehr wird. Nehmt bestensfalls auch Stellung zu den Kommentaren, die ihr bekommt. Falls ihr nicht wisst, wie ihr etwas besser machen könnt, fragt immer nach. Der Kommentierende möchte euch sicherlich nichts böses, sondern freut sich im Gegenteil, dass er euch helfen kann. Es ungemein frustrierend, wenn Hinweise gegeben und weder darauf eingegangen wird noch eine Bemühung zur Verbesserung erkennbar ist. Des Weiteren gibt es hier im BB und auch auf anderen Tagging Seiten viele hilfreiche Tutorials, mit denen ihr neue Techniken lernen könnt. Seht euch doch einmal ein paar von diesen an, ihr persönlich werdet dadurch neue Erfahrungen sammeln und schneller besser werden, als wenn ihr alles selbst versucht!

Herzlich willkommen!
In diesem Tutorial gehen wir genauer auf den Flow ein.

Bestimmt wird den meisten dieser Begriff bekannt sein und für die, die damit noch nicht so viel Anfangen können, hier eine kurze Erklärung:
Als Flow bezeichnet man die Fließrichtung einer Tag (Signatur). Diese soll dazu dienen den Blick des Betrachters auf den Focal (Blickfang/Eyecatcher) zu richten. Diesen kann man durch das Einsetzen von Ressourcen wie C4Ds oder Techniken wie Smudgen unterstützen und aufbauen.

Baut man jedoch keine Ressourcen ein, welche einen Flow aufbauen, kann (muss nicht) es sein, dass die Tag dadurch langweilig wirkt, weil kein richtiger Eyecatcher vorhanden ist. Es kann aber auch sein, dass man zu viele Elemente einbaut, die in verschiedene Richtung gehen, wodurch kein genauer Flow vorhanden ist und das Risiko besteht, dass die Tag dadurch chaotisch/messy wirkt. Beides an folgenden Beispielen zu sehen:

In diesem Tutorial soll es darum gehen, wie ihr aus einem Stock selbst einen Render anfertigen könnt - also ein Bild mit transparentem Hintergrund, das ihr fürs Taggen benutzen könnt. Natürlich kann man auch nach bereits ausgeschnittenen Bildern suchen, wenn ihr explizit "Render" als Suchbegriff eingebt. Manchmal gefällt einem aber auch eine Figur auf einem Stock. In diesem Fall muss selbst freigestellt werden. Vorteilhaft ist es, wenn die Figur, die ausgeschnitten werden soll, klar erkennbare Umrisse besitzt.

Vorbereitungen vor dem Freistellen

Nachdem wir das Bild abgespeichert haben, öffnen wir wie gewohnt Gimp. In der oberen Leiste gehen wir auf Datei und dort auf Öffnen ... Hier müssen wir uns ein bisschen durch die Verzeichnisse klicken bis wir das gefunden haben, in dem unser Bild verstaut ist. Dort klicken wir es an und öffnen es als Datei in Gimp. Ich habe mir der Einfachheit halber diesen Stock ausgesucht: klick. Nach dem Ausschneiden gibt Gimp dem Hintergrund, den wir eigentlich transparent haben wollen, die eingestellte Hintergrundfarbe. Um das sicher zu vermeiden, kann man die betroffene Ebene mit der rechten Maustaste anklicken und Alphakanal hinzufügen wählen (danke für den Hinweis an @Dachs). Augenscheinlich ändert sich an dem Stock nichts, aber dieser Schritt ist für den transparenten Hintergrund später wichtig.

Ausschneiden leicht gemacht: Pfade helfen!

Klar könnte man jetzt das Radiergummi bemühen und den Hintergrund in langwieriger Kleinarbeit wegradieren - oder man benutzt das nützliche Pfad-Tool im Werkzeugkasten KvxVad9.png. Ein Klick darauf zeigt uns, was wir mit diesem Tool anfangen können. Uns interessieren hier zunächst die Bearbeitungsmodi Design und Bearbeiten. Für den ersten Schritt lassen wir die Auswahl auf Design stehen. Nun muss man sich mit der Maus an den Umrissen des künftigen Renders entlang klicken. In diesem Schritt können wir zunächst nur gerade Linien setzen, das ist aber nicht weiter dramatisch. Im nächsten Schritt folgt dann die genaue Anpassung an die tatsächliche Form. Tipp: Ranzoomen ist immer ganz nützlich. Je mehr Fixpunkte man im Design-Modus setzt, desto leichter sind die weiteren Steps.

Anschließend ändern wir den Bearbeitungsmodus im Werkzeugkasten auf Bearbeiten (Achtung, wir benutzen immer noch das Pfad-Tool! Einen Wechsel zwischen den Werkzeugen sollte man während des Freistellens vermeiden, da sonst unsere Arbeit verloren geht). Nun ziehen wir die vorher 'starren' Linien zurecht, so dass unsere mit den Außenlinien des späteren Renders übereinstimmen. Dafür klicken wir einfach auf die jeweilige Linie und passen sie an. Ist man mit dem Ergebnis nicht zufrieden, kann man auch an den neu erscheinenden kleinen Quadraten noch etwas herumziehen.

Nachdem wir alle Einzelheiten umrandet haben, gehen wir wieder in die Werkzeugeinstellungen. Hier gehen wir auf Auswahl aus Pfad, so dass eine gestrichelte Linie entlang unserer Umrandung entsteht. Ab jetzt kann man auch wieder alle anderen Werkzeuge anklicken, ohne dass unsere Arbeit verloren geht. Jetzt gehen wir in der oberen Leiste auf Auswahl ---> Invertieren. Falls der Hintergrund in einer anderen Ebene erhalten bleiben soll (manchmal ist das beim GFXen sinnvoll), gehen wir auf Auswahl ---> Schwebend und dann auf Ebene ---> Neue Ebene ... Nun hat sowohl der Render als auch der Hintergrund seine eigene Ebene. Soll der Hintergrund verworfen werden, gehen wir nach dem Invertieren einfach auf Bearbeiten ---> Löschen (ebenfalls in der oberen Leiste). [Alternativ könnte man stattdessen auf die Entf. Taste drücken.] Nun sollte der Hintergrund aus unterschiedlich grauen Quadraten bestehen. Das ist Gimps Art, die Transparenz anzuzeigen. Man man sollte bei der zweiten Variante abschließend die Auswahl (gestrichelte Linie) aufheben, indem man in der oberen Leiste auf Auswahl ---> Nichts klickt. Wenn wir das Bild noch als .png abspeichern, haben wir unseren Render!

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Licht und Schatten

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Original von @Cleurissé

In diesem Tutorial werde ich euch die Schattensetzung etwas näher bringen. Ich möchte euch vier Methoden zum Schattieren und Belichten vorstellen. Ich werde die Methoden nach Schwierigkeitsgrad sortieren, somit ist die erste Methode die einfachste und die letzte die schwerste.

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Methode 1: Das eigentliche Bild zum Verstärken der Belichtung und Schattierung verwenden.

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Bei dieser Methode erstellt ihr ganz am Ende eurer Signatur eine Bildberechnung. Wenn ihr diese getan habt, stellt ihr den Ebenenmodus der Bildberechnung auf weiches Licht. Die Deckkraft müsst ihr selbst anpassen. Auf dem Beispiel (1) ist sie z.B. auf 40%. Das hat den Effekt, dass alle hellen Bereiche heller werden und alle dunklen Bereiche dunkler. Dadurch wird der Kontrast ein wenig erhöht und der Effekt spielt sich nicht bloß auf dem Motiv ab, sondern auf der gesamten Signatur.

Beispiele:

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Methode 2: Soft Brushing.

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Für diese Methode erstellt ihr über eurem Motiv eine neue Ebene und wandelt diese in eine Schnittmaske um. (Das funktioniert nur wenn euer Motiv ein Render ist.) Den Ebenenmodus stellt ihr auf ''Ineinander kopieren''. (Bei Gimp heißen diese Einstellungen ein wenig anders.) Die Deckkraft lasst ihr für's erste auf 100%. Nun nehmt ihr euch einen Softbrush und passt seine Größe, wie es euch beliebt ist. Für die Belichtung nehmt ihr Weiß, oder eine sehr helle Farbe, die in der Nähe eures Motives ist. Jetzt könnt ihr euch entscheiden, ob ihr direkt mit voller Deckkraft drauf los belichten möchtet, oder ob ihr die Deckkraft des Pinsels senkt. Dann muss man zwar öfter auf einer bestimmten Stelle brushen, jedoch hat man dann mehr Kontrolle über das Ergebnis. Zum Vergleich einmal mit voller Pinseldeckkraft und einmal mit verringerter (1). Bei dem Schatten mach ihr nochmal das Gleiche, bloß mit Schwarz, oder einer dunkleren Farbe aus der Nähe eures Motives. Ob ihr auf der Ebene mit der Belichtung weitermachen wollt, liegt an euch. Ihr könnt auch genau so gut eine neue Ebene extra für die Schattierung anlegen. (Schnittmaske nicht vergessen.) Vergleich zwischen 100% Pinseldeckkraft und 30% (2).

Beispiele:

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Methode 3: Dodge & Burn - Abwedeln und Nachbelichten.

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Diese Methode ist schon ein wenig fortgeschrittener und wird auch von sehr vielen benutzt. Das Abwedler und Nachbelichten - Werkzeug findet außerdem in vielen anderen Bereichen Verwendung, zum Beispiel bei der Fotobearbeitung. Für diese Methode erstellt ihr, wie schon bei der Ersten, eine Bildberechnung. Auf dieser könnt ihr nun mit den beiden Werkzeugen brushen. Das Abwedler Werkzeug belichtet eure Signatur und das Nachbelichten Werkzeug schattiert sie. Ihr müsst jedoch aufpassen, denn beide Tools haben je drei Einstellungsmöglichkeiten, so wie bei den Ebeneneinstellungen, bloß direkt im Werkzeug. Diese sind sehr wichtig, ihr solltet euch mit ihnen auseinandersetzen. Ich werde die Einstellungen auch erklären, aber fangen wir doch erstmal mit Abwedler Tool an. Ihr seht oben wenn ihr das Tool ausgewählt habt, eine der drei folgenden Einstellungen: Tiefen, Mitteltöne und Lichter. Welche Einstellung in eurer Signatur an welchen Stellen am besten passt, müsst ihr durch Probieren selbst herausfinden. Ich zeige euch die Unterschiede anhand einer einfarbigen Ebene (1). Beim Nachbelichten Tool würde es dann umgekehrt aussehen (2). Zusammengefasst würde ich sagen, beim Abwedler Werkzeug sind die Mitteltöne sowie die Lichter am geeignetsten für eine schöne Belichtung, und bei dem Nachbelichten Werkzeug reicht die Tiefeneinstellung. Im übrigen sind sowohl mein Abwedeln als auch Nachbelichten Tool auf je 25%.

Beispiele:

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Methode 4: Farbige Belichtung und Schattierung.

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Bei dieser Methode erstellen wir wieder eine neue Ebene über dem Motiv (Render) und wandeln diese in eine Schnittmaske um. Hier kommt nun der wichtigste Part dieser Methode: Stellt die Ebeneneinstellung auf ''Hartes Licht''. Auf ''Normal'' oder ''Ineinander Kopieren'' bringt diese Methode nicht den gewünschten Effekt. (Auch hier bitte wieder darauf achten, dass dieses Tutorial für Photoshop erstellt wurde und dadurch die Einstellungen in Gimp etwas anders heißen.) Nun nehmt ihr einen Soft-Brush und senkt die Pinseldeckkraft auf 9 - 15%. Diese unglaublich niedrige Deckkraft ist sehr wichtig, um die Belichtung und Schattierung unter Kontrolle zu haben. Los geht es mit der Belichtung. Ihr pickt euch mit der Pinpette eine helle Farbe aus dem Hintergrund heraus, die in der Nähe der hellen Bereiche eures Motives ist. Diese Farbe könnt ihr natürlich noch im Farbwähler eurem Geschmack anpassen. Jetzt brusht ihr so lange über die Bereiche, die belichtet werden sollen. Wenn ihr findet das es genug ist, könnt ihr aufhören. Ergebnis (1). Das Gleiche macht ihr jetzt nochmal mit dunklen Farben aus der Umgebung eures Motives. Ergebnis (2)
Beispiele:

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